Etendue sur un support en bois, la pâte s’écrase et se lie en minces couches sous les passages du couteau. L’opération est renouvelée de manière aléatoire (quinze ou vingt couches de l’épaisseur d’une coquille d’œuf) jusqu’à ce que les strates superposées créent des effets de profondeur et de subtiles variations de couleurs. Ainsi, peu à peu, apparaissent des paysages comme saisis à mi-rêve, à mi-veille, dans une sorte d’entre-chien-et-loup indécis d’où on ne sait s’ils basculent du côté de l’aube ou du côté du crépuscule.

Saisissantes, ces compositions ! De vastes fresques auxquelles la ligne d’horizon, vigoureusement affirmée, impose une structure, un rythme, une « ambiance ». Ces horizons-là illustrent la locution familière jusqu’à perte de vue. A perte de réalité serait sans doute plus adéquat, tant ils semblent délimiter la part du réel et la part du rêve, l’enracinement profond dans la terre et l’évasion dans l’imaginaire.

Parfois, des arbres dressent leur silhouette sur l’estompe du ciel. Ou une clôture. Le plus souvent, les repères concrets sont rares. Dans les déchirements lointains de l’ombre et de la lumière, on croit deviner des étendues d’eau, des haies enneigées, des constructions en ruine… , mais il pourrait tout aussi bien s’agir de labours, de tourbières, de dunes… L’artiste évite d’imposer une vision unique. Elle suggère de fragiles harmonies où chacun découvre ce qu’il a envie de voir. Elle conduit l’imagination vers des réminiscences de lieux enfouis dans la mémoire affective. Paysages de nostalgie et de mystère, de solitude et de contemplation, de sérénité et d’inquiétude : de tels lieux ne sauraient s’inscrire sur aucune carte…

Joëlle Vincent, comme la plupart des artistes, capte des images fugaces – des moments d’émotion – et les restitue à travers le prisme flou et embué du souvenir. La marque la plus sensible de son langage plastique, sa seconde signature en quelque sorte, c’est peut-être l’effet d’estompe qui traverse ses compositions. Quoique bien tracé, le trait est rarement précisé jusqu’à son terme, comme si la réalité perçue se perdait peu à peu en traces imprécises, comme si elle se diluait en subtiles taches colorées que le glaçage final fait chanter. Il en résulte une sorte de palpitation, une charge émotive qui emporte l’adhésion.

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Michel Arnold pour la revue L'AREAW